Art / 2012/12/10

Guerra de la Paz

Cuban-born American artists Alain Guerra and Neraldo de la Paz are Guerra de la Paz. The collaborative duo, which has been consistently?producing together since 1996, worked with a basis of a combination unconventional materials. Guerra de la Paz choose their supplies from Miami as their main material in order to create outstanding pieces of art?of traditional disciplines, experimentation of dimension and the usage of waste bins and second hand shipping companies in the Little Haiti area of full of messages that define the state of the world today.

Editor. Sophie Haeri Park
Images courtesy. Guerra de la Paz


? Douglas Voisin

Q. Please tell us about yourself. When and how did you first meet and decided to work together?
We were respectively born in Cuba, Havana in 1968 and Matanzas in 1955. We both left our homeland as children with our families as refugees and finally settled in Miami, USA. The displacement for us both caused a world of isolation and introspection. Trading in security for uncertainty pushed us to use fantasy as a buffer for reality and taught us to rely on creative outlets. Although we both received formal training, it has always been important for us to pursue our own initiatives. Along the way, we have encountered a few professors and other influential individuals whom recognized and nurtured our talents and whose confirmation had a beneficial impact to our personal development. We were introduced to one another by a mutual acquaintance in Chicago. Then a few months later, we met up again by chance in Miami on New Year’s Day of 1995. From there, we developed a friendship which evolved into a decision to find and share a studio space as separate artists. However, sharing the experience consequently united our vision and combined our talents. Our first work together was a painting on wood, which wasn’t a radical departure from what we were doing individually, but it did establish a rhythm that we would grow from. It allowed us to set aside our personal creative needs and start fresh as a team, resulting in a new vision, new techniques and ultimately a new joint identity.

Q. When did you first realize that you wanted to be artists?
As we mentioned in question one, as children we used “making” and the creative process as a means to cope with our radical changes of environment?and the familiar. We never “realized” we were artists. It was never a decision we ever addressed because it has always been what we know as part of our being. We believe we were born with certain gifts and vision, which translates into creative things. Becoming artists was inborn and part of our evolutionary process as individuals.

Chamber / 2012

Q. By using unusual materials such as used clothes, you seem to have a unique perspective of sculpture and installation. Can you tell us about it? Why choose this medium? What’s inspired you?
That first year in our joint studio (1996), we acquired thousands of magazines, which manifested into several series of d?collage [layers of deconstructed photographic imagery] and other two-dimensional works based on compositionally using dimension as a means of figurative abstraction and developed a process of switching back and forth with each other between multiple works. A ritual devised to relinquish feelings of ownership- to form an efficient and objective system of production. The last of these d?collage works evolved into COLORSCAPES 1999 ? 2000, a series that focused on layered monochromatic color fields with a complexity of hues and nuances. In December of 1999, we noticed a single fuschia blouse ensnared in the barbed wire that crowned the fence across the street from our studio and proceeded to photograph it. Suggesting contemporary archeological remains and exudes a conceptual quality that implies a plethora of psychosocial implications, it became the first of our ongoing photo series, BARBED, and the pivotal moment wherein clothing became our new poignant muse as a raw and abundant material. This forever changed our art making process and transitioned us from photographs to sculpture, installations and performative works revolving around the found garment. Shortly thereafter, we began to study the dumpsters that overflowed with rejected clothing from the local rag trade businesses. Driven by an attraction to their wide range of vivid color, sheen and textures, and noticed the subtle shifts brought on by the elements of nature. This reinforced our connection to the COLORSCAPES series, and led to the idea of using individual garments as a three-dimensional brushstroke. By the end of that next year, we had collected clothing from these dumpsters and proceeded to sort them chromatically, by pattern or texture. Grouping them into families and we began to bring concepts into fruition. Our first large-scale clothing installation was TRIBUTE (2002). A mound of select garments- collected – sorted by color into a spectral order that grew over a 10 years span whenever exhibited and was recently displayed in Morbid Curiosity: the Richard Harris Collection, at the Chicago Cultural?Center, having reached two tons in weight and more than doubling in size since its debut in 2002. []

Mort / 2010

Q. Where do you find all these second-hand clothes? How long did it take to gather this amount of clothes?
In the beginning, our local neighborhood, Little Haiti in Miami, was abundant with used clothing export businesses to Haiti, called Pepe markets. This is where we collected the bulk of our supplies. As these businesses were pushed out and dwindled due to gentrification we began to include all other resource options: donations, thrift stores, online and outlet purchases are now essential in our process. As we have gone global, so have our sources but the emphasis remains on repurposing. Each work demands a certain criteria and calls for varied investments of time. Large-scale installations can take anywhere from six months to a year for just gathering the materials while a single garment can inspire an instant piece. Other factors come into play with how much time we will spend on a project. For instance, as some colors are readily available, others may not be… when a color is trendy it becomes difficult to find. We have had this issue with green, orange, violet, and yellow… while neutrals, reds and blues, are somewhat constant even when bulk resources are not always readily available.

Q. What is your creative process? How do you decide upon your compositions?
What we make is what is usually the most prominent in our thoughts at the time. Our dialog is always open. Bouncing ideas off each other that are influenced by a wide range of sources whose subjects help define the state of the world today. Such as current affairs, history, ecology, popular culture, etc. We often discuss our thoughts on construction possibilities to best suit our concepts and have developed a range of techniques to better convey an organic and direct composition. We believe that we are often vehicles for the materials that are repurposed. Picking up on their transcendental qualities allows us to bring them back to life.

Tribute / 2002-2012

Q. Do you think you are doing sustainable art?
To a certain extent, yes we do. We attempt to be as environmentally conscious as possible and try to be responsible artists who manage our resource wisely. After all, we are turning waste into art.

Q. You seem to have a critical eye on warfare, conflicts, capitalism and commercialism. What do you hope people will take away from your art?
We believe that we pose visual puzzles that stimulate audiences to interpret what they need or want to get out of the work. Creating a visual question that has as many answers as it has viewers. We try to remain objective and keep our personal perspective muted in the artwork, even though there is always an intended underlying message. To quote Edgar Degas ? ‘Art is not what you see, but what you make others see’.

Sealing the Deal / 2009

Q. Where can people see your installations?
We currently have larger works on view at Center for Visual Communication (CVC) in Miami, Artane Feezone in Istanbul and El Museo Universitario de el Chopo in Mexico City. We exhibit with various galleries, art centers, art fairs, select charity benefits, nonprofits, as well as museums internationally and occasionally in empty buildings or select outdoor sites. Pretty much wherever suitable. There is a lot of information on our work on the Internet and in numerous publications.

Q. What are you working on these days?
We always have several pieces in the works in our studio. Currently we are working on a bonsai made from deconstructed repurposed garments and wire for a museum exhibition in 2013 and a Greco-Roman torso fragment made from shoulder pads, pillows, deconstructed lace and sheer garments, rope and thread. We plan to have both completed by the end of this year. We are also preparing for other larger projects including POWER Ties. A solo exhibition we will present at Julian Navarro Projects [www.julian-navarro. com], which opens this upcoming November 3rd in Long Island City, New York through December 15, 2012. This exhibition is an exploration of the traditional men’s necktie and how it evolves as a symbol of power and dominance.

Cocoon / 2010

알랭 구에라(Alain Guerra)와 네랄도(Neraldo)의 구에라 데 라 파즈(Guerra de la Paz) 는 미국에서 활동 중인 쿠바 출신의 아티스트이다. 1996년부터 함께 작업해 온 이 콜라보레이션 듀오는 전통적인 표현 양식과 일반적이지 않은 재료들을 조합하여 실험적인 작품을 끊임없이 만들어내고 있다. 그들은 마이애미의 리틀 하이티 일대에 있는 쓰레기통과 중고 의류업체에서 가져온 재료들로 오늘날의 세계 현황을 짚어주는 걸출한 작품들을 선보인다.

Q. 당신들의 소개를 부탁한다. 언제, 어떻게 처음 만나 함께 일하게 되었는지 궁금하다.
우리는 각각 1955년에 쿠바의 마탄사스(Matanzas), 그리고 1968년에 하바나(Havana) 에서 태어났다. 우리 둘 다 어렸을 때 난민 신분으로 가족과 함께 쿠바를 떠나와 미국 마이애미에 정착하게 되었다. 삶의 터전에서 쫓겨온 우리는 세계로부터 고립되어 자아성찰에 몰두했다. 안전과 불확실한 미래를 맞바꾼 현실은 우리로 하여금 ‘판타지’ 를 꿈꾸게 만들었고, 창작 활동에 몰두하게 했다. 우리 둘 다 정규 교육을 받았지만 우리만의 독창성을 추구하는 것이 항상 중요하다고 생각했다. 그러던 중에 우리의 재능을 인정하고 키워준 교수님들과 개인적인 발전에 이로운 영향을 준 인물들을 만나게 되었다. 우리는 시카고에서 지인을 통해 서로를 소개받았고, 몇 달 후, 1995년 새해 첫날 마이애미에서 우연히 다시 만났다. 그 때부터 우리는 각자 작업하면서 공유할 수 있는 스튜디오를 찾아 다닐 정도로 친해졌는데 그렇게 함께하는 시간이 쌓일수록 관점이 일치하고 재능도 하나로 결합되었다. 우리의 첫 번째 합작품은 목판화였다. 그 작품은 이전까지 개인적으로 작업하던 우리에게 파격적인 새 출발은 아니었지만 성장을 위한 어떤 변화를 만들어 낸 것만은확실했다. 우리는 개인적인 욕망을 뒤로하고 한 팀이 되어 새 출발하기로 했다. 새로운 시각과 새로운 기법들, 궁극적으로는 공동 작업이라는 새로운 정체성이 탄생한 것이다.

Q. 당신들은 언제 처음으로 아티스트가 되고 싶다는 생각을 했는가?
위에서 언급했듯이, 우리는 어렸을 때부터 주변의 환경과 친숙한 것들의 급격한 변화에 대응하는 수단으로 무언가를 만들곤 했었다. 스스로를 아티스트라고 생각해 본 적이 없었다. 이미 항상 해오던 것이자 삶의 일부였기 때문이다. 우리는 창의적인 시각과 능력을 가지고 태어났다고 생각한다. 아티스트의 능력을 타고났지만 개인적인 능력의 진화 과정도 필요한 부분이었다.

Man’s Best Friend (Series: POWER Ties) / 2011

Q.헌옷과 같은 평범하지 않은 재료로 작업하는 것을 보면, 당신들은 조각과 설치예술에 남다른 시각을 가지고 있을 것 같다. 헌 옷가지들을 매체로 선택한 이유가 무엇인가? 무엇이 영감을 주었는가?
함께 스튜디오를 연 첫 해에(1996) 우리는 수천 권의 잡지를 얻었고, 이것으로 다수의 ‘d?collage’(조각난 사진 이미지를 겹쳐서 작업한) 시리즈와 구상적 개념의 수단으로서 차원을 이용한 평면 작품들을 제작했다. 그리고 여러 작품활동을 하면서 서로의 역할을 바꿔가며 작업하는 방식을 발전시켰는데 이것은 작품이 누구 한 사람에 의해 통제되지 않도록 고안한 효율적이고 객관적인 제작 시스템이었다. 마지막 ‘d?collage’ 시리즈는 색상과 색조의 복잡성을 이용한 단색면의 레이어링 작업에 초점을 맞춘 ‘COLORSCAPES 1999 ? 2000’ 시리즈로 진화되었다. 1999년 12월에 우리는 스튜디오 건너편에 있던 울타리의 가시철조망에 꼼짝없이 걸려 있는 자홍색 블라우스 하나를 발견하고 사진을 찍었다. 그 블라우스 사진은 계속 진행중인 ‘BARBED’ 시리즈의 첫 번째 작품이 되었고, 원초적이고 풍부한 재료인 의복은 우리의 마음을 움직이는 새로운 뮤즈가 되었다. 그렇게 우리는 작업 방식의 변화를 끊임없이 시도하며 사진 이미지들을 조각, 설치예술, 그리고의복중심의행위예술작품으로바꾸는작업을하게된것이다.그직후,우리는 중고의류업체들이버린옷들로넘쳐나던쓰레기통을뒤지기시작했다. 의복의다양한 색과 광택, 질감이 주는 매력에 끌렸고, 자연 요소가 가져온 미묘한 변화들을 감지했던 우리는 ‘COLORSCAPES’ 시리즈의 기획에 강한 욕구를 느끼게 되었다. 입체 작품의 재료로 의복을 사용하는 아이디어에 이르게 되었던 것이다. 그 다음해 말까지, 헌 옷들을 모아 색상, 패턴, 질감 별로 분류하고 비슷한 것들끼리 나눠놓은 다음, 컨셉트에 맞춰 작업을 시작했다. 우리의 첫 번째 대규모 의복 설치 작품은 ‘TRIBUTE (2002)’였다. 스펙트럼순서에따라색상별로분류하고엄선한의복들을쌓아서만든이작품은10 년 넘게 전시되고 있으며 최근에는 시카고 문화센터의 ‘Morbid Curiosity: the Richard Harris Collection’에서 전시되었다. 2002년에 처음 선보였을 당시보다 규모는 2배 이상 커졌으며, 무게는 2톤에 달한다.

Tribute / 2002-2012

Q.작품에 쓰이는 헌 옷들은 어디에서 구하는가? 그렇게 많은 옷을 다 모으는데 얼마나 걸리는지 궁금하다.
우리의 스튜디오와 가까웠던 마이애미의 리틀 하이티에는 헌 옷들을 하이티로 수출하는 업체가 많이 있었는데 우리는 페페 마켓(Pepe market)이라는 곳에서 헌 옷들을?대량으로 구할 수 있었다. 그러나 중고 의류업체들이 재개발에 밀려나고 하나 둘 문을 닫으면서 우리는 헌 옷을 구할 수 있는 다른 공급원들을 찾기 시작했다. 이제는 기부단체, 중고할인매장, 온라인 구매, 아울렛 구매 등이 우리 작업에 중요한 공급원이 되었다. 우리의 작품이 세계적으로 유명해지면서 헌 옷을 제공받는 곳들이 생겼고, 여전히 재사용 가능성에 역점을 두고 있다. 각 작품은 저마다의 표현 방식이 있고, 작품마다 투자하는 시간도 다르다. 헌 옷 한조각으로 작품에 대한 순간적인 영감을 얻기도 하지만 대규모 설치 작업의 경우, 재료들을 모으는 데만 6개월에서 1년이 걸리기도 한다. 작품을 완성하는 데 걸리는 시간에는 다른 요인들도 영향을 미친다. 예를 들어, 어떤 색깔의 옷들은 쉽게 구할 수 있는데 유행하는 색깔의 옷들은 구하기가 힘들 수도 있다. 때때로 초록, 주황, 보라, 노란색 옷들이 그렇다. 반면에 미색 계열이나 빨강, 파란색은 헌 옷들을 대량으로 구하기 어려울 때에도 찾기가 수월하다.

Q. 작업 과정이 궁금하다. 작품의 구성은 어떻게 이루어지는가?
우리는 보통 그 당시에 우리가 가장 중요하게 생각하는 것을 주제로 삼아 작업한다. 우리의 대화 창구는 항상 열려 있으며 시사, 역사, 환경, 대중문화 등 오늘날의 세계 현황을 짚어주는 다양한 주제들에 관한 아이디어를 서로 주고 받는다. 그리고 우리 작품의 컨셉트에 가장 부합하는 구조적 가능성에 대하여 자주 상의하면서 작품의 의도를 정확히 전달하는 유기적 구성을 더욱 효과적으로 표현하기 위한 다양한 방식들을 개발하고 있다. 우리는 버려진 재료들이 우리의 작품을 통해서 다시 태어난다고 생각한다. 그것들의 초월적인 특성을 끄집어 내어 새로운 숨결을 불어넣는 것이다.

Thicket / 2012

Q. 당신들은 지속 가능한 예술(sustainable art)을 하고 있다고 생각하는가?
어느 정도는 그렇다고 생각한다. 가능한 한 우리는 환경 의식을 가지고 우리의 자원을 지혜롭게 이용하는 책임 있는 아티스트가 되기 위해 노력하고 있다. 어쨌든 우리는 버려진 것들로 작품을 만들고 있지 않은가.

Q. 당신들은 쿠바에서 태어나 마이애미에 있는 리틀 하바나로 이주했다. 두 도시가 작품에는 어떤 영향을 끼쳤는지 궁금하다.
우리 스튜디오와 인접했던 리틀 하이티(Little Haiti)는 우리의 창작 의욕을 자극시키고 우리가 콜라보레이션 듀오로 새 출발하는 데 중요한 역할을 한 곳이었다. 그곳을 통해서 우리는 크리에이티브 잠재력으로 가득한 새로운 세계와의 시각적 소통이 가능해졌다. 우리가 접했던 모든 장소가 우리에게 영감을 주었다. 주변의 모든 것들로부터 영향을 받는다고 할 수 있다. 각각의 장소가 가진 특별한 매력을 기꺼이 받아들일줄 아는 마음만 있으면 된다.

Q. 당신들은 전쟁, 갈등, 자본주의, 상업주의에 비판적인 시각을 가지고 있는 것 같다. 사람들이 당신들의 작품을 보고 무엇을 느끼길 바라는가?
우리는 관객들로 하여금 그들이 필요로 하는 것은 무엇인지, 작품으로부터 무엇을 얻고자 하는지 스스로 해석하도록 자극하는 작품을 만들고 싶다. 우리의 작품을 보면서 저마다의 의문을 가질 수 있고, 또 저마다의 답을 구할 수 있는 작품 말이다. 각 작품마다 의도한 메시지가 있지만 우리는 되도록 작품 속에서 우리의 개인적 견해를 드러내지 않고 객관적인 시각을 유지하려고 한다. 에드가 드가의 말을 인용하자면 “예술은 보는 것이 아니라 다른 사람들이 보도록 만드는 것이다.”

AYE (Series: Bonsai Couture) / 2011

Q.당신들의 작품은 어디에서 볼 수 있나?
현재 마이애미의 Center for Visual Communication(CVC), 이스탄불의 Artane Feezone, 멕시코 시티의 El Museo Universitario de el Chopo에서 우리의 작품들을 전시하고 있다. 우리는 다양한 갤러리들과 아트 센터, 아트 페어, 자선 모금행사, 비영리단체, 그리고 세계 각지의 미술관 등을 포함하여 때로는 비어있는 건물이나 출입구의 공간에서도 전시를 하고 있다. 어디든 적당한 곳이라면 가리지 않는 편이다. 인터넷이나 다수의 출판물에서도 우리 작품에 관한 많은 정보를 찾아볼 수 있다.

Q. 최근에는 어떤 작업을 하고 있는가?
우리는 스튜디오에서 항상 몇 가지 작업을 진행 중이다. 현재는 2013년에 예정된 전시회를 위해서 못 입게 된 의복 조각들과 철사를 엮어 분재 모양으로 만드는 작업을 하고 있다. 그리고 어깨 패드, 베개, 뜯어진 레이스 조각, 의복 원단, 밧줄, 실 등으로 그리스 ? 로마풍의(Greco-Roman) 토르소를 제작 중이다. 우리는 연말까지 이 두 가지 작업을 완료할 계획이다. ‘POWER Ties’를 포함한 또 다른 대규모 프로젝트들도 준비 중이다. Julian Navarro Projects(에서 선보일 우리의 개인전 ‘POWER Ties’는 11월 3일부터 12월 15일까지 뉴욕의 롱 아일랜드 시티에서 열린다. 남자들의 일반적인 넥타이로 작업하는 이번 전시회에서는 넥타이가 어떻게 권력과 지배의 상징이 되었는가를 탐구한다.

INDOCHINE (Series: Bonsai Couture) / 2011



Tags:  Art Guerra de la Paz

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